Le Bruit De L'art

Au Centre Pompidou, accompagnés de Delphine Coffin du Centre Pompidou, nous recevons Bernard Frize, dans la salle titrée Sans Effort de son exposition personnelle Sans repentir, qui se tient jusqu’au 26 août 2019.Né au milieu des années 1950 en France, il vit aujourd’hui entre Paris et Berlin. Représenté par la Galerie Perrotin, Bernard Frize est une figure incontournable de la scène artistique internationale. Sa peinture, mêlant abstraction conceptuelle et éléments figuratifs, cherche à créer un rapport loyal et distant avec le regardeur.Dans cet épisode, il revient sur son exposition rétrospective Sans repentir. Il nous explique aussi le rapport qu’il entretient au travail quotidien qu’il aime : peindre à l’atelier. Enfin, il parle de son travail de recherche picturale : perpétuellement orientée vers le prochain tableau, elle ne cesse jamais. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.Pour ce quatrième épisode hors-série, nous recevons le réalisateur américano-portugais Gabriel Abrantes dont le court-métrage A Brief History of Princess X est à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.Gabriel Abrantes a étudié à la Cooper Union à New York, aux Beaux-Arts de Paris et au Fresnoy à Tourcoing. Son travail, d’abord plus proche de la vidéo d’artiste, s’est rapproché ces dernières années du cinéma de fiction grand public. Il a ainsi été présenté à la Semaine de la Critique de Cannes (Grand Prix), à la Berlinale (Prix EFA) ou au Festival du Film de Locarno (Léopard d’or), mais également été exposé à la Tate Britain (Londres), au KW Institute for Contemporary Art (Berlin), au Palais de Tokyo (Paris)... Dans ses films, l’humour décalé et l'absurde sont souven

Pour cet épisode, Imane Farès nous reçoit dans sa galerie, située rue Mazarine dans le quartier de Saint-Germain des Prés à Paris. Imane Farès est une galeriste d'une cinquantaine d'années.Passionnée de cinéma, c’est son attrait pour la vidéo d’artiste qui la pousse à ouvrir sa galerie en 2010. D’origine libanaise, née au Sénégal et basée à Paris elle décide de consacrer sa galerie à la représentation de la scène artistique d’Afrique et du Moyen-Orient. Collectionneuse et galeriste, Imane Farès est avant tout une femme d’engagement: ce qui compte pour elle, c’est l’indépendance de son goût, de ses jugements, de nouer un contact intuitif et personnel avec ses artistes. Elle est aujourd’hui assistée au quotidien par Line Ajan, qu’elle évoque au cours de l’interview.Dans cet entretien, Imane Farès revient sur son parcours, nous explique son approche engagée du métier de galeriste et nous parle aussi du travail de Basma Alsharif, artiste dont elle présente l’exposition “24/7” jusqu’au 20 juillet 2019.imanefares.c

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.Pour ce troisième épisode hors-série, c’est la plasticienne française Marion Verboom qui nous reçoit dans son atelier, situé dans le 20e arrondissement de Paris. Ses Achronies, sculptures prenant la forme de colonnes ou de totems, selon ce que l’on a envie d’y voir, témoignent de l’évolution de sa pratique artistique et de ses influences. Accompagnées d’une fresque réalisée in situ, et d’une corne d’abondance revisitée, Cornucopia, ces travaux sont à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier. Marion Verboom est diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris et a suivi le programme de résidence DE ATELIERS à Amsterdam (2009-2011). Représentée par la galerie parisienne Jérôme Poggi, mais aussi par The Pill à Istanbul, son travail a fait l’objet de plusi

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses », présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.À l’Hôtel Aiglon, pour ce deuxième épisode hors-série, nous recevons Jonathan Vinel, cinéaste français dont le court-métrage Martin Pleure est à découvrir en ce moment à la Fondation Cartier.Jonathan Vinel a étudié le montage à la Femis. En 2017 il réalise Martin pleure, alors qu’ils écrivent avec Caroline Poggi leur premier long métrage, Jessica Forever. Travaillant régulièrement ensemble, ils co-signent par exemple les courts-métrages After School Knife Fight réalisé en 2017 ou encore Tant qu’il nous reste des fusils à pompe, qui a reçu en 2014 l’Ours d’Or à la Berlinale. Dans chacun de ces films, on trouve un vocabulaire d’images et de thèmes communs: les liens communautaires, l’amour, la violence, la perte…. Articulés autour d’images liées à la culture de sa génératio

À l’occasion de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » présentée du 4 avril au 16 juin 2019 à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, le Bruit de l’art vous propose une série de podcasts inédits en cinq épisodes.À l’Hôtel de Lille, pour ce premier épisode hors-série, nous recevons Thomas Delamarre, commissaire de l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses ».À travers la peinture, la sculpture, la mode, le design ou le film, l’exposition « Jeunes artistes en Europe. Les Métamorphoses » réunit 21 artistes de 16 pays. Elle est consacrée à la diversité des voix et à la vitalité des échanges qui animent le vaste territoire artistique européen, de Paris à Tbillissi en passant par Lisbonne ou encore Moscou.Dans cet épisode, Thomas Delamarre revient sur sa découverte des artistes présentés dans l’exposition, leur sélection - fruit de plus d’un an de voyages - et les étapes de cette recherche - en posant notamment la question de ce qu’est « être européen » aujourd’hui.Musi

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Iris de Moüy. C’est une artiste française d’une quarantaine d’années.Après des études de graphisme à Penninghen et à l’université d’art et de design d’Helsinki, Iris de Moüy partage sa carrière entre l’art et la littérature jeunesse. En parallèle de l’écriture et de l’illustration de livres pour enfants, elle dessine pour la presse, et pour des marques comme Hermès, Air France, l’ancien concept-store mythique colette ou encore Bonpoint. Très inspirée par les mouvements des corps, et en recherche perpétuelle de la représentation des émotions, Iris de Moüy a également exposé ses dessins et céramiques à l’occasion de plusieurs expositions, comme Petite conne à la librairie-galerie parisienne OFR en 2017.Dans cet entretien, Iris de Moüy parle de ses rituels de création, de l’importance de la danse dans son travail et la sortie de son livre Horses Are Blue, édité chez Chose Commune, qui sera présenté à la librairie Yvon Lambert à Paris le 4 avril 2019, puis à Los Angeles.Musique o

À la Fabrique du Centre Pompidou, nous recevons Hicham Berrada. C’est un artiste franco-marocain d’une trentaine d’années.Diplômé de l’Ecole Nationale des beaux-arts de Paris et du Fresnoy, et aujourd’hui représenté par la galerie Kamel Mennour, Hicham Berrada utilise des théorèmes physiques et des formules chimiques pour créer des formes naturelles qu’il manipule et façonne dans des cadres qu’il définit. Au travers d’un travail qui réalise un pont entre art et science, il livre des œuvres esthétiques qui documentent le génie de la nature.Dans cet entretien, Hicham Berrada revient sur ses études, et plus particulièrement sur son expérience au Fresnoy. Il parle des résidences d’artistes, en se souvenant de son année passée à la Villa Médicis à Rome (2013-2014) et en parlant de celle qu’il passe en ce moment à la Pinault Collection à Lens (depuis septembre 2018). Enfin, il décrit son processus créatif en évoquant, notamment, la conception de l’œuvre qu’il présente dans l’exposition « La Fabrique du Vivant&

Pour cet épisode, matali crasset nous reçoit dans son studio, situé dans le quartier de Belleville, à Paris. matali crasset est une designeuse française d'une cinquantaine d'années.Diplômée en 1991 de l’Ecole Nationale Supérieure de la Création Industrielle de Paris (ENSCI), ses productions ne se limitent toutefois pas à cette unique forme de design. En effet, matali crasset a une vision totale du métier de designer : ses créations protéiformes sont le fruit de la remise en question des lieux communs du quotidien. Meubles, objets éléctroniques, espaces culturels, d'éducation ou de passages sont repensés pour proposer des scénarios de vie et de partage. Ce qui compte pour elle, c’est d’être ensemble, de vivre ensemble.Dans cet entretien, matali crasset revient sur son parcours. Elle explique pourquoi et comment elle envisage le designer comme un anthropologue du temps présent et parle de son engagement en faveur de l’enfance. Ainsi, elle revient notamment sur son tour musical

A l’Hôtel de Lille, nous recevons Théophile Calot. C’est un éditeur et curateur d’une trentaine d’années.En 2011, alors qu’il est encore étudiant à l’Ecole de Recherche Graphique (ERG) à Bruxelles, il fonde Théophile’s Papers. Au début, c'est une plateforme nomade de présentation de publications francophones ou étrangères. Ensuite, Théophile’s Papers prend également la forme d'une librairie, puis, en 2013, d'une, maison d’édition avec la publication du livre de l’artiste Valérian Goalec, Éléments - structure horizontale 01.Quelques éditions de livres d’artistes plus tard, Théophile Calot signe la curation de l’exposition Copies à la galerie Eric Mouchet à l’automne 2018.Dans cet entretien, Théophile Calot retrace la naissance de Théophile’s Papers, explique son rapport au livre, ses réflexions sur la présentation au public de cet objet, et revient sur le protocole curatorial qu'il a mis en place à l'occasion de Copies, réalisant un véritable exercice de décomposition et de mise en parallèle du

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Justin Morin. C’est un artiste français d’une trentaine d’années.Ses oeuvres sont des étoffes de soie nouées recouvertes de motifs abstraits, des plaques d’aluminium découpées au laser, ou encore des formes géométriques en plexiglass. Elles se jouent des illusions et des jeux optiques, et sont souvent rapprochées du mouvement Light and Space, du minimalisme new yorkais, ou encore de l’art optique. Après ses études aux Beaux-Arts de Metz, il travaille quelques temps en tant que scénographe et curateur. Aujourd’hui, à côté de ses activités d’artiste et de professeur à l’école Parsons de Paris, il s’occupe de la direction artistique du journal Revue et réalise le set design d’événements - comme le défilé Louis Vuitton automne/hiver 2016. Tant à travers toutes ses activités, que dans la conception de ses œuvres, la problématique de la mise en scène est centrale pour lui.Dans cet entretien, il explique comment ses multiples casquettes nourrissent son travail d’artiste, et parle de

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Camille Besson, Raphaël Rossi, Maxime Testu et Victor Vaysse, quatre jeunes artistes français.Dès 2017, au sortir de la Haute école d’art et de design de Genève, de l’Ecole nationale des Beaux-arts de Paris et Lyon, du Fresnoy à Tourcoing ou encore de l’Ecole supérieure d’art de design de Reims, ils forment ensemble, aux côtés d’autres artistes, l’atelier Le Marquis, situé sur l’Île-Saint-Denis en région parisienne. Quoi qu’ils travaillent dans un même lieu et conçoivent régulièrement des expositions ensemble - comme à l’occasion du vingtième Prix de la Fondation Ricard à l’automne 2018, ou au FRAC Champagne-Ardenne en janvier 2019 - ces quatre artistes ne se définissent pas comme un groupe, et encore moins un mouvement artistique. Tandis que leurs œuvres sont à concevoir et appréhender de manière autonome, Le Marquis est un outil et un label collectif. À côté des institutions et du marché de l’art, à mi-chemin entre l’atelier partagé et le run-space, cette ent

A l’Hôtel de Lille, nous recevons Yûki Yoshikawa et Frédéric Migayrou, commissaires de l’exposition Tadao Ando du Centre Pompidou.Il y a une dizaine d’années, alors qu’il est conservateur en chef du design et de l’architecture de Centre Pompidou, et directeur adjoint du Musée national d’art moderne, Frédéric Migayrou fait la connaissance de Yûki Yoshikawa, conservatrice et éditrice au Japon. Elle vient de reprendre des études d’histoire de l’art en France. Après plusieurs années de recherches côte à côte, et en alliant leur curiosité et leur intérêt scientifique pour l’architecture japonaise d’après-guerre, ce tandem professionnel a réalisé en 2014 l’exposition Japan-ness. Architecture et urbanisme au Japon depuis 1945. Cette exposition est d’abord organisée au Musée d’Art Contemporain de Kanazawa au Japon, puis au Centre Pompidou-Metz. C’est la première à rassembler autant d’archives d’architectes de renom, comme Itsuko Hasegawa, Kenzô Tange, Arata Isokaki ou encore Tadao Ando.Dans cet entretien, i

À l’Hôtel de Lille, nous recevons Ingrid Luquet-Gad. C’est une critique d’art de 28 ans.Après des études de philosophie, elle commence la critique d’art en parallèle d’un master d’Histoire de l’art. Pour Ingrid Luquet-Gad, l’écriture est initialement une manière d’organiser ses idées. C’est aussi un moteur qui la pousse à aller visiter des expositions et à se confronter à l’art contemporain. Petit à petit, cette activité devient une évidence professionnelle : elle collabore alors avec i-D, Artpress, Les Inrockuptibles ou encore la Revue 02. Depuis la rentrée 2018, elle s’essaye à un autre médium, la radio, en participant régulièrement à l’émission de France Culture, La Dispute.Dans cet entretien, elle évoque son rapport à l’écriture, les réalités de son métier de critique d’art et livre une analyse de la création contemporaine française dans les années 2010.Musique originale de Pablo Jacquart Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

A l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.Dans cette quatrième et dernière partie, nous recevons l’artiste norvégienne Constance Tenvik. Par la peinture, la vidéo ou encore la performance, elle propose une œuvre comme une sorte de grand carnaval : la réalité et le monde imaginaire y convergent. À travers ses travaux, elle questionne avec liesse les identités et le positionnement du « soi » dans le monde.Doublage de Clara Paumé. Musique originale de Pablo Jacquart. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

A l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.Dans cette troisième partie, nous recevons l’artiste peintre Louis Granet. Initialement formé aux Beaux-Arts de Bordeaux, puis à la bande dessinée à Angoulême, il se tourne finalement vers la peinture. Il puise dans les codes narratifs et visuels des comics, et s’inspire de son quotidien qu’il détourne et rend abstrait sur des toiles acidulées.Musique originale de Pablo Jacquart. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

À l’occasion de la première édition de Feÿ - rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.Dans cette deuxième partie, nous recevons Chloé Bourgès. C’est une réalisatrice et scénariste française. Ancienne musicienne, elle accorde une grande importance au rythme - sons et silences. On retrouve dans ses films cette sensibilité, entre espoirs et errances dans un décor de végétation luxuriante.Musique originale de Pablo Jacquart. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

À l’occasion de la première édition de Feÿ - Rencontres d’arts en Bourgogne, nous recevons Alex Ayed, Chloé Bourgès, Louis Granet et Constance Tenvik.Feÿ est un festival rassemblant les travaux d’une centaine d’artistes - plasticiens, cinéastes, musiciens, chefs cuisiniers… C’est pour refléter cette diversité que nous vous proposons, exceptionnellement, un épisode en quatre chapitres.Dans cette première partie, nous recevons Alex Ayed. C’est un artiste plasticien qui habite entre Bruxelles et Tunis. En composant des associations d’objets qu’il trouve au gré de ses voyages, il reconstitue des univers intemporels dépassants les cadres culturels.Musique originale de Pablo Jacquart. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

À l’Hôtel de Lille, pour le premier épisode de la saison deux du Bruit de l’art, nous recevons Andrea Montano. C’est un photographe parisien de vingt-sept ans.Alors qu’il étudie encore à La Cambre à Bruxelles, il participe à fonder la galerie ABILENE. Lorsqu’il revient à Paris, son micro-monde formé d’artistes et de musiciens l’amène à partager ses activités de photographe entre commandes et travaux personnels. Ainsi, en parallèle de ses collaborations avec Paradis, Moodoïd et son leader Pablo Padovani, ou encore Flavien Berger, il réalise une œuvre photographique qui tente d’accéder à la simplicité, à la recherche du symbole et de l’épure.Dans cet entretien, Andrea Montano évoque la dimension essentielle de la musique dans son travail, son amour de la peinture de la Renaissance, et sa quête d’une esthétique pop et universelle.Musique originale de Pablo Jacquart. Voir Acast.com/privacy pour les informations sur la vie privée et l'opt-out.

Pour l’épisode final de la saison, Iván Argote nous reçoit dans son atelier en région parisienne. Cet artiste colombien de 34 ans passe, depuis sept ans, le plus clair de son temps à Paris, mais n’a pas cessé de voyager pour autant.Ses travaux sont des photographies, des installations, des vidéos, ou encore des sculptures. Comme il le raconte ici, il envisage ses pièces comme des propositions de lecture du monde actuel : de son contexte, de son histoire, de ses traditions. Iván Argote tente de questionner la place des individus dans la société qui les entoure, en l’envisageant parfois au travers du prisme politique. Son œuvre joue ainsi des individualités, et de la relativité des points de vue.Lauréat du prix Sam Art Projects (2011), Audi Talents Award (2013) ou encore CIFO Cisneros Fontanals Foundation (2015), il a désormais exposé son travail dans une trentaine de pays.Dans cet entretien il évoque également sa rencontre avec son galeriste, Emmanuel Perrotin, ses résidences à l’étranger - de New York à